https://www.youtube.com/watch?v=Bofqzcy3P5M

Exemplos de técnicas: foco/desfoco, profundidade de campo, composição, luz/contra luz, ISO, abertura, luz estourada, entre outros. Adquirimos um conhecimento bem produtivo.

Essa atividade foi desenvolvida pelo Núcleo de Base – NB, Filhos dos Avós!

Saiba mais sobre a “Turma Luiz Beltrame”  https://cinemajuventude.wordpress.com/

Conheça nossos parceiros!

O Instituto Nacional de Colonização e Reforma Agrária, Incra, é uma autarquia federal cuja missão prioritária é executar a reforma agrária e realizar o ordenamento fundiário nacional. Criado pelo Decreto nº 1.110, de 9 de julho de 1970, atualmente o Incra está implantado em todo o território nacional por meio de 30 superintendências regionais.
Missão do Incra:
Implementar a política de reforma agrária e realizar o ordenamento fundiário nacional,
contribuindo para o desenvolvimento rural sustentável.
Visão de Futuro:
Ser referência internacional de soluções de inclusão social.

Programa Nacional de Educação na Reforma Agrária (Pronera) propõe e apoia projetos de educação voltados para o desenvolvimento das áreas de reforma agrária. A atuação do Pronera se dá através de parcerias do Incra com movimentos sociais e sindicais de trabalhadores e trabalhadoras rurais; cominstituições públicas de ensino, instituições comunitárias de ensino sem fins lucrativos e governos estaduais e municipais. Através do Pronera, jovens e adultos de assentamentos têm acesso a cursos de educação básica (alfabetização, ensinos fundamental e médio), técnicos profissionalizantes de nível médio e cursos superiores e de especialização.
O Programa também capacita educadores para atuar nos assentamentos e coordenadores locais – multiplicadores e organizadores de atividades educativas comunitárias. As ações do programa, que nasceu da articulação da sociedade civil, têm como base a diversidade cultural e socioterritorial, os processos de interação e transformação do campo, a gestão democrática e o avanço científico e tecnológico.

         O Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq), agência do Ministério da Ciência, Tecnologia e Inovação (MCTI), tem como principais atribuições fomentar a pesquisa científica e tecnológica e incentivar a formação de pesquisadores brasileiros. Criado em 1951, desempenha papel primordial na formulação e condução das políticas de ciência, tecnologia e inovação. Sua atuação contribui para o desenvolvimento nacional e o reconhecimento das instituições de pesquisa e pesquisadores brasileiros pela comunidade científica internacional.
Missão
Fomentar a Ciência, Tecnologia e Inovação e atuar na formulação de suas políticas, contribuindo para o avanço das fronteiras do conhecimento, o desenvolvimento sustentável e a soberania nacional.
Visão
Ser uma instituição de reconhecida excelência na promoção da Ciência, da Tecnologia e da Inovação como elementos centrais do pleno desenvolvimento da nação brasileira.

    A Unesp (Universidade Estadual Paulista “Júlio de Mesquita Filho”) é uma das maiores e mais importantes universidades brasileiras, com destacada atuação no ensino, na pesquisa e na extensão de serviços à comunidade. Mantida pelo Governo do Estado de São Paulo, é uma das três universidades públicas de ensino gratuito, ao lado da USP (Universidade de São Paulo) e da Unicamp (Universidade Estadual de Campinas). Criada em 1976, a partir de institutos isolados de ensino superior que existiam em várias regiões do Estado de São Paulo, a Unesp tem 34 unidades em 24 cidades, sendo 22 no Interior; uma na Capital do Estado, São Paulo; e uma no Litoral Paulista, em São Vicente.

O CPEA (Centro de Pesquisas e Estudos Agrários e Ambientais) foi criado em 1988 junto à Faculdade de Filosofia e Ciências da Universidade Estadual Paulista–UNESP, campus de Marília, com a finalidade de criar um espaço destinado à realização de pesquisas e estudos sobre questão agrária e movimentos sociais, no qual os graduandos, pós-graduandos, professores e pesquisadores pudessem realizar seus estágios, investigações, trabalhos científicos e acadêmicos na área. O CPEA encontra-se localizado na UNESP, instalado em suas salas, e conta com seis pesquisadores e treze estudantes das mais diversas áreas. No decorrer destes anos de existência, o CPEA vem se dedicando a projetos de pesquisa e extensão relacionados à Assentamentos de Reforma Agrária, que resultou na elaboração de diferentes formas de trabalhos científicos, a saber: relatórios, artigos, monografias, livros, dissertações e teses, além da participação, organização e realização de diversos eventos de cunho acadêmico e científico dentro e fora da UNESP.

  O Laboratório Multi-usuários Terramãe é uma parceria de três unidades da Universidade Estadual de Campinas/Unicamp: o Instituto de Artes/IA, a Faculdade de Engenharia Agrícola/Feagri e o Núcleo de Estudos e Pesquisas Ambientais/Nepam . O Laboratório vem atuando na pesquisa de novas linguagens que propiciem um melhor diálogo junto a comunidades de agricultores familiares, em especial dos núcleos de assentamentos de reforma agrária, comunidades ribeirinhas, comunidades quilombolas e populações moradoras em áreas de preservação ambiental, com a participação pró-ativa de alunos (de graduação e pós-graduação), pesquisadores, técnicos especializados e professores. Em um âmbito mais específico, os trabalhos desenvolvidos pelo Laboratório destinam-se a realizar produções audiovisuais que possibilitem o registro das realidades sociais e ambientais onde os indivíduos vivem e constroem suas vidas e suas perspectivas de futuro, bem como promover uma maior integração Universidade-Sociedade, entende-se a Universidade como integrante desta comunidade.  A equipe responsável pelo Laboratório trabalha pela construção do conhecimento a partir do conceito de arena, onde todos tem voz e voto, cuidando para que a assimetria de poder não impeça que todos se coloquem e que sejam escutados.

  Sementeia é uma plataforma digital multimídia que tem por objetivo produzir sementes e semear. As sementes são conteúdos desenvolvidos numa concepção de livre produção e circulação de materiais audiovisuais, textos, vozes, sons e imagens. Sua concepção busca privilegiar uma linguagem multimídia e a produção colaborativa entre nossos parceiros sobre grandes temas relacionados a propostas para mudança e ações de resistência no campo e na cidade. Alguns assuntos, que farão parte de nossas primeiras semeaduras, estão relacionados a questões como: trabalho rural, movimentos camponeses, agroecologia, economia solidária, comunicação popular e mídia-livre.

     PREFEITURA MUNICIPAL DE PROMISSÃO

Promissão é uma cidade do interior e está localizada a 450 quilômetros da capital, São Paulo, no entroncamento das Rodovias Marechal Rondon (SP 300) e da Rodovia Transbrasiliana (BR 153), têm em suas proximidades acesso à Rodovia Assis Chateubriand (SP 425). Atualmente são 35.674 habitantes residentes no município e sua economia é baseada principalmente na produção de alimentos e energia, tem-se aqui instaladas duas unidades do Frigorífico Marfrig I e II, a Empresa de Açúcar e Álcool Renuka do Brasil, a Hidrelétrica AES Tietê, os Laticínios Promileite e Promilat, além de Fábricas de doces, Frigorífico de Peixes, entre outras empresas do setor alimentício e energético. Em Promissão se situa o maior Projeto de Assentamento Federal, o Reunidas, com 629 famílias assentadas e o Projeto de Assentamento Dandara, com 202 famílias assentadas e o Projeto de Assentamento Estadual com oito famílias assentadas, com produção basicamente de alimentos: milho, soja, feijão, leite, tomate, pepino, pimentão, quiabo, abóbora, mandioca, verduras, frutas, ovos, suinocultura, entre outros.

1o Semestre / 2020

Professor Responsável: Profa. Dra. Vanilde Ferreira de Souza Esquerdo

Professores Convidados: Profa. Dra. Aline Vieira de Carvalho, prof. Dr. Roberto Donato, prof. Dra. Mariana Duccini Junqueira da Silva.

Colaboradores/Pesquisadores: Dr. Diego Riquelme,  Dra. Kellen Junqueira, Dr. Marcelo Pupo, Doutoranda. Janaína Welle, Dra. Márcia Maria Tait, Dra.Teresa Noll Trindade, Alessandro Poeta e Dra. Luciana Henrique da Silva

Dia/Horário: quinta-feira 9h – 12h

Local: Nepam/Unicamp

Resumo/Objetivos: Proporcionar métodos e recursos técnicos e teóricos para a análise crítica da linguagem audiovisual e para a construção de narrativas audiovisuais. O programa privilegia questões relativas às narrativas e linguagem cinematográfica sobre o filme documentário, por meio da abordagem de conteúdos, realização de análises fílmicas e de exercícios práticos. As análises fílmicas e discussões realizadas durante o curso/disciplina serão baseadas em estratégias voltadas à produção coletiva sobre temas como movimentos sociais, cultura e política, meio ambiente e questões agrárias, promovendo também uma reflexão mais abrangente em torno de identidades coletivas populares e práticas audiovisuais engajadas.

A abordagem adotada parte de uma concepção da práxis como fundamento para os processos pedagógicos, o que implica na incorporação das expectativas e trajetórias pessoais dos participantes. Por isto, propõem-se momentos de reflexão-ação durante todo curso/disciplina e a divisão em grupos para definição e o desenvolvimento de projetos de realização audiovisual. Os projetos deverão estar alinhados com o formato e temas abordados durante o período e as condições objetivas de tempo-realização, ou seja, serão esperadas propostas de projeto de documentário em curta-metragem, com foco nas relações entre meio ambiente e sociedade, questões agrárias, movimentos sociais do campo e da cidade e outras temáticas levantadas durante o curso/disciplina.

Vagas: 20

Inscrições: DAC ou Extecamp – Os interessados caso sejam estudantes de pós regulares da Unicamp deverão se inscrever pela DAC curso sigla AP545, os que tem graduação podem se inscrever como especiais. O curso é aberto a qualquer cidadão.

Os que se inscreverão pelo curso de extensão deverão aguardar a entrada do curso no site da Extecamp – http://www.extecamp.unicamp.br/ – Procurando pelo curso FEG-0770.

Solicitamos um curriculum resumido e uma manifestação de interesse para os e-mails: kellen.junqueira@gmail.com / caroca@unicamp.br. Nosso objetivo principal com esta solicitação é ter um perfil da turma, esperamos que o número de interessados esteja compatível com o nº de vagas. Para os que enviarem a mensagem podemos informar quando o curso estiver no site da Extecamp.

Lançamento da Plataforma Pública de Filmes Acervo Formiga com a disponibilização da Web-Série: “Des(afetos) – A Composição das Emoções na Política Brasileira” Brasil (2019) – 47 min.

Acesse na íntegra:

https://olharesdocampo.org/_files/200000243-73e9d74dff/boletim.pdf

OLHARES DO CAMPO é um laboratório de comunicação
comunitária vinculado minecraft modpureà Universidade Federal dos Vales
do Jequitinhonha e Mucuri – UFVJM – por meio de
aprovação no edital PROAE 10/2018. O projeto visa à
produção de textos jornalísticos por e para
comunidades campesinas. Você também microsoft office.torrent pode colaborar!tải ff support data
Quer saber como adobe master collection cs6 serial number list apoiar? Entre em contato pelo endereço
eletrônico: olharesdocampo@gmail.com

No fim da década de 80 e início de 90 nas periferias de São Paulo, era bastante comum escutarmos um termo chamado “balanço” referindo-se ao rap/hip hop/black music da época. Em festas ou bailes que tocavam outros estilos musicais, era frequente escutarmos o grito pro DJ “Toca balanço!” Assim como hoje em dia a nova geração grita “Solta o pancadão!”, referindo-se ao funk. O motivo do termo “balanço” referir-se ao hip hop era que as músicas possuíam um compasso cadenciado que fazia o corpo balançar como um pêndulo, o que conhecemos hoje como “bounce” ou “groove”.

Trago esta saudosa introdução, que deu origem ao título deste ensaio, para uma reflexão histórica não tão compassada assim, aliás, bastante descompassada: a questão de gênero no hip hop. Talvez seja um pouco atípico um homem escrevendo sobre feminismo, o feminismo muitas vezes é visto como trabalho das mulheres. Penso que é um trabalho de uma sociedade que pretende evoluir para um lugar melhor, um trabalho que homens e mulheres podem e têm que fazer juntos e que, ás vezes, parece um trabalho de muito isolamento. Assim, reitero que esta voz masculina também é seu povo.

O hip hop que surge entre as décadas de 60 e 70 nos subúrbios de Nova York e ganha notório destaque mundial através das mídias a partir dos anos 80, que enquanto movimento cultural e social gera para seus apreciadores uma maneira de promover o empoderamento, valorizando e resgatando sua autoestima, tanto racialmente quanto socialmente por meio de uma produção cultural contestadora e de linguajar jovem, tanto na música quanto na dança, acabou deixando de lado por um bom tempo o olhar feminino.

Sim, sabemos que o ambiente influenciou diretamente neste contexto, o Bronx dos anos 70 estava à extrema decadência urbana. O cotidiano hostil e violento que a cultura hip hop surge e se desenvolve acabou por afastar a presença feminina, mas nunca foi só isso. O que se percebe é que as mulheres não dispõem das mesmas condições que os homens para enfrentar os problemas da vida urbana (e isto persiste) em qualquer lugar no globo. Isso porque sempre existiu uma grande concentração do poder e de recursos produtivos nas mãos dos homens, bem como também em termos do acesso diferenciado que estes têm ao conhecimento e isso inclui também as artes e a cultura.

No mesmo ritmo que se desenvolvia a cultura hip hop, os grupos organizados do feminismo negro estadunidense davam grandes passos na luta contra a opressão, a segregação racial e as práticas discriminatórias, apesar das ações importantes tomadas pelo governo para abolir a segregação da sociedade americana desde 1970, a segregação racial continuava profundamente arraigada na moradia, na escola, no emprego, em situações cotidianas, nas interações sociais diárias e inclusive pela invisibilidade das mulheres negras como sujeitos do feminismo.

Na explosão da dança breaking (difundido pela mídia como breakdance) no início dos anos 80, a Rock Steady Crew desempenhou um grande papel em levar os dançarinos (b.boys) para além do Bronx. A icônica cena da dança breaking no filme “Flashdance” incluiu vários membros da Rock Steady Crew e despertou interesse internacional na subcultura. Sem dúvida, a maioria dos dançarinos eram meninos, mas a importância das mulheres jovens em facilitar o desenvolvimento da dança foi muitas vezes negligenciada.

Um exemplo é o da pioneira garota Daisy Castro Cutajar, também conhecida como “Baby Love”, foi a única integrante da Rock Steady Crew por três anos. “Eu comecei no início de 1983. Eu só assistia meu irmão e seus amigos dançando break, e eu comecei a copiar o footwork e qualquer movimento que eu pudesse fazer… desde que eu era pequena”, diz Love em entrevista ao portal i-d.vice.com em novembro de 2018.

Apesar da popularidade e do sucesso da Rock Steady Crew, o desequilíbrio de gênero flagrante da cena nem sempre produziu os ambientes mais convidativos. “Foi empoderador, mas solitário, porque tudo que eu queria era me encaixar e nunca me senti assim”, ela diz. “Os caras tinham um ao outro, mas eu não tinha ninguém com quem construir, para continuar meu crescimento na cena.” Apesar de ser um pouco atípica, a visibilidade de Baby Love durante seus anos de Rock Steady provou que havia um lugar para mulheres na subcultura da dança. Baby Love é um ícone original da bgirl (dançarina de breaking), inspirando inúmeras bgirls nos próximos anos.

Mais do trabalho do fotógrafo Rick Flores.

O conceito de gênero surgiu entre as estudiosas feministas com o intuito de se opor ao conceito da essência, refutando qualquer explicação pautada no determinismo biológico que pudessem determinar o comportamento de homens e mulheres, exercendo, desta forma, uma visão naturalista, universal e imutável do comportamento. Este determinismo serviu por muito tempo para justificar as desigualdades entre ambos, a partir de suas distinções físicas.

No graffiti não foi diferente, atualmente considerado como arte de rua, nos anos 70 era uma grave transgressão e sofria forte repressão policial, pois era fortemente praticado antes do surgimento da cultura hip hop ainda na época da cultura das gangues de Nova York, sendo utilizados deste artifício para cada gangue delimitar espaços que tinha como “seus”. Até por este contexto, a cena do graffiti é extremamente dominado pela figura masculina.

No início dos anos 70, quando o graffiti estava em fase de formação, algumas jovens mulheres participaram deste campo dominado pelos homens. Duas dessas mulheres eram as parceiras “Barbara 62” e “Eva 62”, de Manhattan. Elas não eram necessariamente as primeiras grafiteiras femininas, mas estavam entre as primeiras a se tornar amplamente reconhecidas e respeitadas.

Elas se tornariam as grafiteiras mais conhecidas do seu tempo, escreveram suas tags (marcas) nos metrôs e ruas da cidade de Nova York. Como na maioria dos writers (outro nome dado aos grafiteiros) do período, o graffiti era limitado a tags e tags delineadas com uma cor adicional. Os nomes delas foram vistos ao lado de lendas da cena, como “Taki 183”, “Lee 163rd”, “Super Kool 223”, “Lava 123”, “Fase 2” e muitos outros. Barbara 62 e Eva 62 são reconhecidas por sua escrita prolífica. Elas abriram o caminho para futuras gerações de grafiteiras.

Várias pesquisadoras abordam o estudo do tema gênero, como por exemplo, Nancy Frazer (2007), Judith Butler (2008) e Donna Haraway (2004) que com suas perspectivas nos auxiliam a compreender todo este processo de emancipação da mulher, como ele vem sendo construído ao longo do tempo, seus objetivos, suas lutas, dificuldades e até suas imperfeições. Em suma, elas trazem que o gênero é uma categoria relacional, na qual, ao se levar em conta os gêneros em presença (homem/mulher), também se consideram as relações de poder, a importância da experiência, da subjetividade, do saber, do viver, não separando o sujeito social do seu contexto.

(…) “O gênero, é a contínua estilização do corpo, um conjunto de atos repetidos, no interior de um quadro regulatório altamente rígido, que se cristaliza ao longo do tempo para produzir a aparência de uma substância, a aparência natural do ser.” Tornar-se um sujeito masculino e feminino, não é uma coisa que aconteça em um só golpe, de uma vez por todas, mas que implica uma construção que, efetivamente, nunca se completa (TIBURI, 2013, p. 32).  

Na cena da música no hip hop, que reúne os elementos Emcee e Deejay, o desequilíbrio ainda é maior, pois além do machismo tradicional, ainda houve/há uma enorme interferência da indústria do entretenimento norte-americano.

Grandes corporações que exploram a música rap (genérico hip hop) com somente uma finalidade: lucro. Onde as relações de poder negociam com o mercado e a mídia, na qual a imagem e o “talento” da mulher se restringe a de superfície visual e corporal, como exemplo: a bela, a erótica, a mãe e as negras tratadas de forma ainda mais preconceituosa. Segundo Gilroy (2001), a vulgarização das mulheres assim como a misoginia masculina têm origens nas questões raciais e devido a isso se tornam temas destacados na cena hip hop.

Ironicamente o início da cena midiática e comercial se deu pelas mãos de uma mulher, Sylvia Robinson, que no final dos anos 70, ajudou a fundar a editora de “música hip hop”, “Sugar Hill Records”, e em 1979 produziu o sucesso dos Sugarhill Gang: “Rappers Delight”. O primeiro hit comercial de música rap, vendeu mais de 8 milhões de cópias e que inspirou vários músicos do gênero. Três anos depois, em 1982, produziu “The Message”, música dos Grandmaster Flash and the Furious Five, considerado o primeiro rap de protesto, pois trazia em sua mensagem a decadência do Bronx na época. Sylvia, considerada “The Mother of Hip Hop” falecida em 2011, nunca teve seu devido reconhecimento.

Vídeo com trajetória de Sylvia Robinson.

Ainda nos anos 80, nas batalhas de rap nas periferias do Queens, surge Roxanne Shanté, uma das primeiras representações femininas de destaque no rap. Aos 14 anos de idade, em meio a tanta discriminação, uniu-se junto a Mr. Magic, Tyrone Williams e Marley Marl gravaram “Roxanne’s Revenge“, uma resposta para a música “Roxanne, Roxanne” do grupo UTFO sobre uma mulher que não respondia aos avanços de um homem. Roxanne em pouco tempo vendeu cerca de 250 mil cópias em Nova York. Aos 25 anos, Roxanne já tinha se aposentado e lançado dois discos. Sua vida virou filme cerca de 22 anos depois, o roteiro aborda seu sofrimento nas mãos de sua mãe, nas mãos dos homens que dominavam o hip hop na época e nas mãos de Cross, namorado mais velho da rapper que a violentava com frequência.

Vídeo Clipe – Roxanne Shante – Roxanne’s Revenge

Mais de uma década depois, em 1993, Queen Latifah, cantora de música rap norte-americana, lançou uma música intitulada “U.N.I.T.Y” como forma de protesto a violência a mulher e o desrespeito com as mulheres na cena do hip hop, descreveu situações que enfrentava e como tentava se defender recusando ser chamada de “vadia” (o que entra na questão direta do feminismo negro e da solidão da mulher negra). Trouxe à tona a causa sobre relacionamentos abusivos, como ela era cega de não enxergar o que a estava fazendo mal, problemas que a percepção masculina não alcançaria porque não há vivência. Esta canção é considerada uma mensagem completa de força e de resistência, o que combina com o foco inicial do rap.

Percebemos nestes exemplos históricos norte-americanos toda dificuldade de inserção e afirmação da figura feminina na cultura hip hop, assim como suas lutas, avanços e retrocessos.

Em terras tupiniquins também não foi diferente. A cultura hip hop se desenvolve a partir dos anos 80 com grande força embalada pela recente democracia e no avanço de conquistas sociais e políticas, o que fez com que se multiplicassem os movimentos culturais de jovens pelo Brasil. A cidade de São Paulo acaba ocupando destaque ao narrar o início do hip hop no país por conta de sua liderança no cenário econômico e político nacional, sua enorme e diversa população, além de ser o berço de novas ideias políticas de esquerda que ganhavam força na época.

Na famosa “selva de pedra” urbana e violenta o movimento crescia em número de adeptos e, assim como nos EUA, ficava evidente a grande predominância da figura masculina em todos os elementos. Aos poucos surgem as primeiras figuras femininas que são consideradas pioneiras no movimento como a Bgirl Kika, que fez parte da primeira geração da Back Spin Crew, um dos grupos mais tradicionais de dança breaking do país, assim como a cantora rapper Sharylaine que iniciou sua trajetória na cultura hip hop em 1986 e foi a primeira mulher a fazer registro fonográfico do estilo rap. Atualmente com mais de 30 anos de carreira traz em seu repertório musicas autorais com base no contexto social, na valorização e fortalecimento da mulher e a inserção da mulher no rap e no hip hop feminino.

Já nos anos 90 ganha destaque na cena a rapper Dina Di (falecida em 2010) que em 1994 fundou o grupo Visão de Rua que posteriormente lançou a sua primeira canção de trabalho chamada “Confidências de uma Presidiária”, que relata algumas coisas sobre o sistema carcerário feminino. Em 2004 Dina Di lançou “Noiva de Thock”, onde fala sobre diversos assuntos bem abertamente, a canção “Hora de avançar” ela exalta a força da mulher independente e que mulheres unidas são mais fortes, em “Corpo em Evidência” é um papo reto sobre pornografia e sobre como a mídia usa o padrão de mulher perfeita.

Dina Di também fala em algumas entrevistas como ela ficava cansada em ter que passar essa imagem masculina pra ter respeito, ter que seguir um tipo vestimenta e postura, pois ela percebeu que dessa forma a olhavam de forma mais diferente e a levavam a sério, coisa que não aconteceria se ela tivesse uma postura mais doce e usasse vestidos.

O estudo de gênero como um dos principais elementos articuladores das relações sociais no contexto urbano, nos permite entender como os sujeitos sociais estão sendo constituídos cotidianamente por um conjunto de significados impregnados de símbolos culturais, conceitos normativos, institucionalidades e subjetividades sexuadas (Scott, 1990) que oferta a homens e mulheres um lugar diferenciado no mundo, sendo esta diferença marcada por relações de poder que conferem ao homem, historicamente, uma posição dominante.

Ao abordar a inserção e afirmação da figura feminina no hip hop, trago alguns exemplos de práticas próximas a mim, que em minhas (an)danças por aí, tive a oportunidade de conhecer e prestigiar pessoalmente: o coletivo “Empodera Elas”, da cidade de Tambaú/SP, que tem como objetivo dar visibilidade à mulher dentro do hip hop com o propósito de disponibilizar um espaço em que agregasse atividades dentro da cultura de rua como dança, graffiti, artesanato, música, entre outros, onde as mulheres artistas pudessem se sentir a vontade.

Segundo Naomah Bretas, uma das integrantes do grupo, a iniciativa de formar o coletivo foi principalmente pela percepção da falta de espaço para a mulher dentro do hip hop na região. “A princípio, o grupo começou com a ideia de discutir sobre o espaço feminino dentro do hip hop. Aos poucos fomos construindo um repertório musical e com isso, conseguimos levantar assuntos polêmicos relacionados à mulher”, relata Naomah. Além de grupo musical, o projeto Empodera Elas também é um grupo informativo, pois participam de discussões e debates para adquirir conhecimento com o intuito de retransmiti-los.

Lu Afri é considerada uma das pioneiras no que se diz respeito à inserção da mulher e representação feminina na cultura hip hop, em especial no rap do Sul de Minas. Acumula mais de 20 anos de carreira, na qual subiu em importantes palcos, solo e em grupo, como festivais de música nacional, prêmio da TV brasileira, além de gravações de álbuns, singles, videoclipes e um EP recém-lançado. Mineira de Poços de Caldas, Lu Afri é uma das grandes mulheres e cantoras de uma geração que protagoniza a produção musical do (e no) interior, entrando para a história contemporânea da nossa cultura.

Por onze anos junto ao grupo Uclanos, Lu Afri levou o nome do Sul de Minas às capitais do sudeste e teve como auge da carreira a oportunidade de serem finalistas do programa Astros, no SBT em 2009. Atualmente em carreira solo é destaque pelo protagonismo feminino no rap, como mulher e mãe. Suas canções vão do rap ao pop, passando por reggae, soul, trap e mpb, com letras que engrandecem a voz da mulher na cultura brasileira. “As músicas que escrevo não falam só do cotidiano e do dia a dia, como no rap tradicional, falam também de relacionamentos, sonhos e valores da mulher, um tema, para mim, muito importante na música”, comenta Lu Afri sobre as composições.

Vídeo com entrevista a TV Poços, ela fala sobre o tema “A mulher no mundo do Rap”.

Outra ação que reforça esta intensa força feminina é a da Bgirl Dorsyrene Sanchez de 24 anos, integrante da Latinas Venezuela Crew. Ela conta que sua crew traz integrantes de diversos estados da Venezuela (Bolívar, Lara, Táchira, Caracas, Coro, Maracay) e que atualmente muitas emigraram e moram em diversos países da América Latina como Peru, Chile, Equador, Colômbia e Brasil devido a constante violação dos direitos humanos em seu país de origem. Dorsyrene chegou ao Brasil em 2015 procurando uma melhor condição de vida e ao mesmo tempo evoluir na dança e como Hiphopper, uma vez que o Brasil é considerado por eles como um país de maiores oportunidades, atualmente reside em Uberlândia/MG.

Ironicamente ela traz no seu depoimento em 2019 inquietações bem parecidas com os relatos da Bgirl pioneira norte-americana Baby Love na década de 80 citada anteriormente neste texto. Uma grande subestimação feminina, linguagem machista, além de pouco espaço para as dançarinas, o que acaba criando um complexo de inferioridade nas garotas, que isso vem melhorando, mas tá longe do ideal.

De lá para cá algo mudou? A tentativa de reverter este panorama está clara, principalmente, na fala das mulheres que fazem parte do movimento e demandam para si outras representações e relações. Em comum, elas apontam que o hip hop pode se reconfigurar de outra maneira, mas isto dependerá de suas lutas, das reflexões e dos debates. Ou seja, há avanços, mas a cultura hip hop ainda está longe de ser politicamente correta no que diz respeito a se aproximar de um equilíbrio de gênero.

Joan Morgan, nascida na Jamaica e crescida no sul do Bronx, é jornalista e escritora premiada norte-americana, sendo uma das principais feministas pioneiras do hip hop cujo livro “When Chickenheads Come Home to Roost” se tornou um livro indispensável no cânone emergente do intelectualismo hip hop e um texto fundador do feminismo hip hop. Em “Chaos Total” (2006) ela traz em diálogo com Mark Anthony Neal, que o hip hop já está aí com seus trinta anos de idade, e se fosse uma pessoa, ele provavelmente seria casado, teria alguns filhos e estaria seguindo uma carreira profissional, lidando com os desafios de pagar por um hipoteca e cuidados infantis e notas de carro. Ressalta a importância dessa conversa sobre gênero e hip hop que agora é sobre o crescimento do hip hop. Como é o hip hop quando se torna um negócio de pessoas crescidas?

Em sua visão, é de extrema importância desafiar a misoginia, o sexismo e a homofobia que existem em nossas comunidades e em nossa sociedade. Com questões como: qual é o verdadeiro desafio de criar filhos nessa sociedade e abraçar o hip hop ao mesmo tempo? Como continuamos a ajudar o hip hop a crescer e a mudar o mundo da maneira como imaginamos o hip hop mudando o mundo anos atrás? (CHANG, 2006, p. 276).

Refletir sobre questões de gênero implica em realizar uma (re)leitura de tudo que está à nossa volta, o que pode significar, por exemplo, repensar a linguagem, a cultura, os meios de comunicação social, princípios religiosos, familiares, políticos e sociais.

Assim, (re)pensando sobre esta (re)configuração social, improviso aqui (assim como no hip hop) ao término deste ensaio a perspectiva de Donna Haraway (2000) em seu Manifesto Ciborgue: “se nós fomos construídos socialmente podemos ser reconstruídos. E, assim, tudo pode ser escolhido, inclusive se a nossa sociedade será baseada na violência e na dominação de um grupo sobre outro”.

Autor: Mário Castro Jr. (Zulu Marujo) é arte-educador, produtor cultural e pesquisador. https://mariocastrojr-com-br.webnode.co

*Este texto foi produzido como parte trabalho final realizado para a disciplina “Epistemologias situadas e engajadas – corpos, contextos e políticas na produção de conhecimentos”, ministrada pela Profa. Dra. Márcia Maria Tait Lima, no programa de mestrado em Divulgação Científica e Cultural, do Laboratório de Estudos Avançados em Jornalismo (Labjor), da Universidade Estadual de Campinas (Unicamp).

Referências

CHANG, Jeff (Ed.). Total chaos: The art and aesthetics of hip-hop. Civitas Books, 2006.

GILROY, Paul. O Atlântico Negro: Modernidade e dupla consciência. Tradução de Cid Knipel Moreira. São Paulo: Ed. 34; Rio de Janeiro: Universidade Cândido Mendes, Centro de Estudos Afro-Asiáticos, 2001.

GEORGE, Cassidy. Exploring the birth of the b-boy in 70s New York. Acesso em 21 de Janeiro de 2019, disponível em: https://i-d.vice.com/en_us/article/ev3v4z/exploring-the-birth-of-the-b-boy-in-70s-new-york

HARAWAY, D. Manifesto Ciborgue: Ciência, Tecnologia e Feminismo-Socialista no final do século XX. In: SILVA, T. T. da (Org. e Trad.). Antropologia do Ciborgue: as vertigens do pós-humano. Belo Horizonte, 2000.

SCOTT, Joan. Gênero: uma categoria útil para análise histórica. Educação e Realidade, Vol.16, n.2, jul/dez.1990.

TIBURI, Márcia. Judith Butler feminismo como provocação. Revista Cult, 185. Ano 16, Nov. de 2013.

A educação artística tem sido vista comumente como relacionada com a produção de artesanato e desenvolvimento de atividades manuais e artísticas. Segundo a autora María Acaso, a partir do ano de 2011, a queda das Torres Gêmeas nos Estados Unidos, marca um momento de ampliação do reconhecimento da educação artística também como conhecimento epistemológico e conceitual e não apenas técnico (Acaso, 2009). Ela se refere a uma série de modelos de educação artística dos quais se podem ressaltar: a auto-expressão criativa, que começa dentro do modelo expressionista; o modelo cientificista, que procurava cumprir com uma funcionalidade para o desenvolvimento da produção do país em áreas como a industrial ou científica; e o modelo expressionista, que propôs o desenvolvimento dos sentimentos em cada um dos estudantes das artes plásticas, buscando aperfeiçoar a técnica, os cores, a fantasia, a imaginação, etc., no qual a arte revela-se desde uma expressão pessoal e individual, que pode permitir o sentir de cada um.

O modelo da auto-expressão criativa surge nos Estados Unidos e se orienta a inserção da educação artística para o estudo da primeira infância com documentação e registro de atividades, exposições, livros, etc., criando o NAEA – National Art Education Association (Associação da Educação Artística Nacional).

Graças a teóricos como Viktor Lowenfeld, autor de um dos livros mais importantes do século XX acerca da educação artística como conhecimento criativo e mental, começa-se a considerar a arte como um meio que permite um desenvolvimento integral ao ser humano, quer dizer, o desenvolvimento de expressão e criatividade não apenas como um produtor visual, mas também na construção social das demais áreas de sua vida (Acaso, 2009).

Nos anos 70, devido a classificação do conhecimento por disciplinas no sistema educativo norte-americano, surgiu um outro modelo educativo procurando o sentido empírico na educação artística como disciplina mediante a organização  de um currículo enfocado em processos e metodologias de produção, o que motivou na noção da arte como disciplina. Franklin Bobbit, pedagogo da universidade de Indiana, assinala que a educação nas artes não pode ser desenvolvida por qualquer pessoa, porém, tão pouco deveria ser parte de uma educação formal vista como uma disciplina específica.

Em 1982, vários teóricos da Educação Artística reuniram-se no Centro Getty, com a finalidade de desenhar um currículo de ensino das Artes Visuais, o que levou á criação do primeiro design curricular EACD (Educação Artística Como Disciplina). O projeto EACD (1987) procurou o ensino, o entendimento e a apreciação da linguagem visual e das artes a partir de conteúdos funcionais básicos como a historia da arte, a crítica, a estética e a criação, aspectos dentro da arte que podem ser avaliados dentro da educação.

Devido à atuação da EACD nos EUA, se organizou uma disciplina de artes mediante modelos educativos dentro dos colégios, para não só dar ao estudante um conteúdo de técnicas artísticas, mas também incorporar atividades de análises e instaurar formatos de avaliação. Este sistema perdurou até princípios da década de 90 e entrada do multiculturalismo.

O modelo de currículo multicultural surge nos Estados Unidos com o propósito de suprir os vazios existentes no modelo da EACD, e procura conectar-se com a realidade diversa da sociedade dando lugar a ideia moderna da tolerância e a não segregação dentro do continente, o que permite a participação na educação artística da população afro descendente, grupos homoafetivos e de povos originários, entre outros. (Acaso, 2009).

Os teóricos de este modelo (durante os anos 90) defenderam a construção de um currículo a partir da diversidade cultural, quer dizer, tendo como referente cultural não apenas o ocidente, mas considerando outras latitudes, permitindo assim, ampliar o pensamento crítico, a aparição de micronarrativas e o reconhecimento da multi-culturalidade de cada estudante.

Depois da mudança mencionada no currículo anterior, se começou a manifestar uma falta de conteúdos sobre a arte contemporânea nas aulas de artes. Devido ao interesse no mundo da educação e o esquecimento dos acontecimentos na arte como fundamental na educação, propõe-se novos modelos: reformismo e reconstrutivismo (1981), buscando um novo currículo chamado currículo de transição, que mantém como eixo a cultura ocidental com a inclusão de outras.

Os reformistas como Elliot W. Eisner asseguram que o professor de arte não é o encarregado de promover consciência social e que para entender uma obra não necessariamente é necessário conhecer seu contexto. No entanto, defende que se deve trabalhar com temas sociais (raça e gênero) na educação artística para gerar consciência social, pensamento crítico e criativo.

Os reconstrutivistas destacam a importância da relação da arte com o contexto e a necessidade de disposição do professor de artes a abertura para a multiplicidade de experiências e diversidade de culturas (Acaso, 2009). Finalmente, o reconstrutivismo é o primeiro modelo educativo que se preocupa com o acontece fora da aula, propõe que a arte sirva como um meio de crítica social, para que o estudante possa criar uma perspectiva cultural e intelectual aonde o valor das artes não se evidencia apenas pelo seu conteúdo, mas também pelas suas conexões simbólicas com o espetador, gerando a inter-graficabilidade, conceito que explícita a relação das artes com seu entorno social.

Além dos currículos mencionados, teóricos como Howard Garner, outro importante teórico da educação artística visual, propõe retomar o estudo de disciplinas académicas, artísticas e filosóficas, no eixo educativo, aonde o objetivo real da arte é o conhecimento científico, artístico e moral. Gardner critica a postura relativista e local do pós-modernismo, e parte da universalidade como o eixo comum que não se deve esquecer quando se fala de o local. O autor considera, igualmente, que as tecnologias não são um fim em sim mesmas, mas sim um meio que deve ser adaptado ao desenho curricular.

El VTS (Visual Thinking Strategies) de Garner, Philip Yenawine e Housen é outro modelo utilizado normalmente em escolas e museus que procura formar observadores autossuficientes, utiliza referentes ocidentais e verbalizam seus conhecimentos ao analisar conteúdos sexuais, políticos ou religiosos com a arte tradicional. O seguinte modelo, chamado expressionista, está focado no sujeito que transmite e expressa sentimentos, quem toma sua experiência como cultura e a arte como a manifestação mais profunda do ser, quer dizer, propõe um reencontro com o ideal de ser humano, que pode conduzir á demência ou á liberdade. De este surgem varias inferências como: o fato artístico é interior e faz parte do sujeito, a genialidade do artista é algo inato do mesmo e não se pode criar no sujeito, a ausência de avaliação nas artes, entre outras (Aguirre, 2006).

O terceiro modelo, chamado filo-linguístico, considera as artes como uma narrativa, uma linguagem de comunicação, e fala do crescimento da percepção visual que acontece graças ao desenvolvimento da cultura da imagem na sociedade. Por isso se centra no desenvolvimento da observação, leitura de imagens e mensagens. A partir de estes três modelos da Educação Artística, Aguirre (2006) propõe um enfoque próprio chamado: “Feito Cultural”. Este enfoque dialoga com os Modelos da Educação Artística Pós-moderna o modelo VCAE (Visual Culture and Art Education) e a arte visto como um relato aberto a partir da experiência.

Em geral, os teóricos do pós-modernismo apostam na criação em grupo e da vivência de experiências. Fernando Hernández, outro teórico contemporâneo, entende a educação artística visual atual como parte do contexto cultural, político, social, que por meio dos meios de comunicação, a publicidade, os entornos, as crenças e demais, são transversais no ensino das artes visuais.

Acaso e outros pesquisadores do campo da educação artística manifestam que observar a arte a partir do objeto criado ou a partir do artista é ultrapassado, que a arte é uma manifestação social realizada não só pelo artista, mas sim por várias pessoas, o que faz que se descartem opções como o estudo da artista, ou o objeto de estudo para a estética, porque coloca como objeto de estudo a sociedade mesma. Desde a minha observação percebo que se deve reconhecer a temática social dentro da educação artística e as artes, mas, sem perder a importância das outras temáticas que a arte aborda. E assim, para abordar os novos aprendizados que vão emanando nas artes e sua educação, é preciso relacionar conceitos e modelos tradicionais com os modernos, para não esquecer a essência das artes, mas também para que ela supra e corresponda aos contextos atuais. O aprendizado do fato cultural misturado com as raízes da arte permite que nos apropriemos do século XXI para assim continuar com a criação de propostas sensatas para a educação artística visual. Como discutido neste texto, a arte é a interpretação do mundo por meio dos artistas, porém não é algo apenas isolado ou individual. As artes, a sociedade, a política e a educação artística estão relacionadas, isso significa que, como educadores e artistas, procuramos que o governo, as pessoas e a sociedade em geral sejam parte ou se envolvam no processo.

*Texto produzido a partir da pesquisa: “Caricatura: Educação e processos artísticos de estudantes do grupo Milán”, escrito tendo como referência principal o livro de María Acaso: “Manualidades Expresivas: Propuestas para Antes del Derrumbe (2009).

A partir das experiências com os diversos currículos em artes visuais, uma fundação colombiana desenvolveu  um guia pedagógico para o ensino da caricatura como instrumento pedagógico: “Momento Caricatura y contexto”, que pode ser conhecido no link abaixo:

Mais sobre caricaturas no artigo de Lina Bayona – Que és la caricatura?

Referências bibliográficas: 

• Acaso, María. (2009). Manualidades Expresivas: Propuestas para Antes del Derrumbe. Barcelona: España.
• Aguirre, Imanol. (2006). Modelos Formativos en Educación Artística. (U. P. Navarra. Ed.) Bogotá, Colombia.
• Hernández, Fernando. (2007). Espigadores de la Cultura Visual. Barcelona, España: Octaedro.

• Latorre, Jorge. (2015). Introducción a la Cultura Visual: Los Fundamentos Artísticos. Ac.-ICV 1.1 Prólogo. Build Academy. New York, EEUU: Open Online Academy.
• Ortiz, Marcela. (2002). Carcajadas que Curan. (I. Internacional, Ed.) Revista Agenda Salud , (Ed. 27).

Na primeira quinzena de 2019, Jair Bolsonaro (PSL) assinou um decreto que flexibiliza o porte de armas no Brasil. A iniciativa, de acordo com seus interlocutores, seria uma resposta à crise da segurança pública vivenciada no país e estaria em consonância com os anseios da maior parte população.

Em 2018, ainda durante o processo eleitoral que o elegeu para a presidência, foram noticiados diversos episódios de culto às armas, às instituições repressoras e à violência como resolução para os conflitos sociais, causa e consequência de uma crescente militarização do cotidiano. Em outubro, dias antes do segundo turno, o portal Infomoney, especializado em notícias sobre economia, investimentos, mercado financeiro e ações, publicou que a ação da fabricante de armas Taurus saltou 400% naquele mês, por ocasião do crescimento de Jair Bolsonaro nas pesquisas de intenção de votos. Na prática, isso significa que os temas do armamento e da segurança foram centrais nas últimas eleições, despertando interesses diversos no conjunto da sociedade.

O feminismo tem coisas a dizer sobre a militarização: pelo menos desde a década de 1980, a teoria feminista contribuiu com o acúmulo que busca correlacionar o patriarcado, o capitalismo e a cultura militar, apontando para a ligação entre os valores de todos estes sistemas hierárquicos. Para o movimento feminista antimilitarista, o militarismo não se resume às instituições militares concretas, mas trata-se de um sistema de controle que se baseia na influência e presença de formas, normas, ideais e fins militares na sociedade civil.

O que é a militarização? (Desde uma perspectiva feminista)

Nas sociedades capitalistas, a intenção da dominação – usualmente – se justifica na exploração e acumulação de riquezas presentes nos territórios ou na própria força de trabalho de mulheres e homens. Os mecanismos para exercer o controle e a dominação são efetivados por meio de instituições, valores e políticas que tentam justificar seus fins mediante a aceitação e obediência voluntária do corpo social. Para as feministas, a sociedade patriarcal impacta diretamente na adoção destas normas militares.

Nestas concepções, o patriarcado é essencial para o desenvolvimento do militarismo, porque afeta cotidianamente as relações sociais e configura-se como uma escola permanente de subordinação, controle e obediência, ensinando que os homens mandam e as mulheres obedecem, quais os comportamentos socialmente aceitos para cada sexo, e o exercício do controle permanente sobre os corpos, espaços, tempos e trabalhos de mulheres.

Um artifício que contribui para a normalização destes valores é a insistência na dicotomia “Nós x Os outros”. É o que afirma a cientista política romena Cristina Radoi. Na prática, isso significa forjar um inimigo comum e desumanizar sua figura até que seja justificável eliminá-lo. A dicotomia e a dualidade são – justamente – características das relações de poder e de sistemas hierárquicos, como o militarismo, o colonialismo, o racismo e o sexismo. Para Graziella Longoni, do grupo Mujeres de Negro de Milán, o patriarcado é a alma do militarismo, porque neste sistema, o poder masculino se exerce a partir da violência e do silenciamento das mulheres, que representam a primeira manifestação deste “Outro” a ser dominado e controlado.

Para a Marcha Mundial das Mulheres (MMM), essa é uma relação que se retroalimenta, porque a instituição militar também contribui de maneiras variadas para a formação de homens jovens que ocupem o lugar de dominante nas hierarquias sociais entre os sexos. Por meio do exército, mas também por valores que são compartilhados socialmente, legitima-se o poder, o culto ao chefe, a obediência, a violência física e a ausência de espírito crítico que servem ao militarismo tanto quanto ao capitalismo patriarcal.

O conflito do capital contra a vida

Em toda a América Latina, vivemos um avanço do neoliberalismo como uma resposta violenta a um período de avanços progressistas e ampliação de direitos sociais, vivenciado a partir do início do século XXI. Trata-se de um período em que se agudiza a contradição entre o processo de acumulação de capital e o de sustentabilidade da vida, ou o “conflito do capital contra a vida”, como nomeia a economista Amaia Pérez Orozco. É nesta circunstância em que a militarização emerge como a única solução possível para os conflitos que são próprios de contextos marcados por desigualdades e em que as grandes corporações avançam ainda mais sobre os territórios.

A ecofeminista Vandana Shiva, em entrevista concedida para a educadora popular Claudia Korol, afirma que a militarização é parte do que chama de guerra contra a vida. Para ela, a globalização converteu os estados nacionais em estados corporativos, que produzem a destruição da natureza humana e não-humana. Diante disso, a defesa da vida, em suas variadas formas, fez com que os estados corporativos se transformassem em estados militarizados corporativos, porque a militarização seria o que resta para garantir a continuidade do poder e da violência.

Assim, a violência militarizada vai sendo utilizada para silenciar – também por meio da criminalização – as pessoas que se levantam em defesa da vida. Apesar disso, as mulheres e homens que utilizam seus corpos como trincheiras para promover uma ruptura nesta lógica biocida se multiplicam pelo continente. “Berta no murió, se multiplicó” é um lema que se popularizou após a morte de Berta Cáceres, em Honduras, em 2016.

Assista o vídeo produzido em homenagem à Berta Cáceres.

Berta foi uma ativista ambiental hondurenha, líder indígena do seu povo, cofundadora e coordenadora do Conselho de Populares e Organizações Indígenas de Honduras, que resistiu ao golpe em Honduras, às tentativas norte-americanas de implementar bases militares no território indígena Lenca, e fortaleceu a luta latinoamericana pela desmilitarização. Ela foi assassinada em sua casa, em março de 2016, por homens armados que invadiram a residência enquanto ela dormia. Como noticiou o jornal Brasil de Fato, em novembro de 2018, a justiça hondurenha condenou sete de oito pessoas envolvidas no caso. Entre os condenados, estão representantes da empresa Desarrollos Energéticos (DESA), responsável pelo projeto hidrelétrico Agua Zarca, combatido pelo Berta e outras lideranças indígenas.

No Brasil, em 2018, o assassinato de Marielle Franco, uma mulher, negra, LGBT, defensora dos direitos humanos e vereadora no Rio de Janeiro – palco de intervenções militares e da política de “pacificação” – deixou uma ferida aberta na democracia estampada nos jornais. Crítica da militarização, Marielle defendia a vida e seu legado é confluente com o de Berta. “Marielle Vive” é o lema que se popularizou por todo o país.

Para a MMM, ao questionar a violência como estruturante do patriarcado e do capitalismo, as mulheres denunciam, ao mesmo tempo, a violência do sistema capitalista e do Estado militarizado, a ampliação do poder policial, o encarceramento e genocídio da juventude pobre e negra, e a justiça seletiva que protege privilégios e a propriedade privada, enquanto criminaliza quem enfrenta esse sistema.

“Sem feminismo, não há desmilitarização”, proclamam as vozes feministas!

* Este texto é um recorte do trabalho final realizado para a disciplina “Epistemologias situadas e engajadas – corpos, contextos e políticas na produção de conhecimentos”, ministrada pela Profa. Dra. Márcia Maria Tait Lima, no programa de mestrado em Divulgação Científica e Cultural, do Laboratório de Estudos Avançados em Jornalismo (Labjor), da Universidade Estadual de Campinas (Unicamp).

Referências

FARIA, Nalu; MORENO, Renata. Desafios feministas para enfrentar o conflito do capital contra a vida: nós mulheres seguimos em luta! Sempreviva Organização Feminista, São Paulo, 2017.

KOROL, Claudia. Vivemos uma “ordem de guerra contra a Terra”: entrevista com Vandana Shiva. Rev. Punto Final, Argentina, ed. 857, 2016.

LONGONI, Graziella. El patriarcado, alma del militarismo. Traduzido por Laura Moreno Egea. Milão, 2007. Disponível em: <http://www.feministas.org/IMG/pdf/Mesa_Muj_Negro_1.pdf>. Último acesso em 29 de outubro de 2018.

MARCHA MUNDIAL DAS MULHERES. Paz e Desmilitarização. Terceira Ação Internacional, 2010. Disponível em: <http://sof2.tempsite.ws/wp-content/uploads/2015/07/MMM_Internacional_paz_desmilitarizacao.pdf>. Último acesso em 29 de outubro de 2018.

OROZCO A. P. Subversión feminista de la economía. Aportes para un debate sobre el conflicto capital-vida. Madrid: Traficantes de Sueños, 2014.

RÃDOI, Cristina. A resposta ineficaz das Organizações Internacionais em relação à militarização da vida das mulheres. In: SUR. Revista Internacional de Direitos Humanos/ Sur – Rede Universitária de Direitos Humanos – v.1, n.1 – São Paulo, 2012.

Artigo publicado na revista Cadernos de Ciência e Tecnologia  v. 35, n. 2 (2018).

(Autores: Marcelo Vaz Pupo, Márcia Maria Tait Lima, Bruno Lacerra de Souza,  Kellen Maria Junqueira e Janaína Welle)

Artigo Completo. 

A vida no campo e na Agroecologia proliferam signos, códigos e
linguagens próprias que permanecem ausentes para o conjunto da sociedade.
A comunicação tem o papel de principal mediadora das relações sociais e da
percepção da realidade, em que novas maneiras de experimentar e de organizar
o mundo são criadas. As disputas concretas e materiais (como as que se dão em
torno das questões ambientais e da produção de alimentos) passam pelo campo
simbólico, pela produção de cultura e pela produção e difusão de sentidos, as
quais são estratégicas para a construção e fortalecimento de propostas contra-
-hegemônicas.

Compreender que as disputas também se dão no campo simbólico faz
que haja outra postura diante do que é dito e de como algo é dito. Para pensar
o estético e o político em termos contra-hegemônicos, partiu-se de algumas
contribuições de sociólogos, educadores e filósofos que inspiraram as ações
e projetos em torno da Plataforma Sementeia. Assumiu-se, como propõe
Rancière (2009, p.33), que “a política é essencialmente estética, ou seja, está
fundada sobre o mundo sensível”, pois essa compreensão permite afirmar que
a participação política só é democrática se a multiplicidade de manifestações é
incentivada. Paulo Freire, em Extensão ou Comunicação , ao estudar a semântica
da palavra “extensão” e preocupado com a relação dialógica entre o agrônomo
e o camponês, lembra que linguagem e política direcionam as ações pelo que
chama de “força operacional dos conceitos” (Freire, 1975, p.23)

Santos evoca um pensar crítico diante dos modos de produção de ausência
ou “monoculturas” (Santos, 2002, 2013) que estruturam a racionalidade
moderna e as ciências sociais. A monocultura do saber e do rigor ou monocultura
do saber científico, segundo o autor, contrai o presente e as práticas sociais ao
eliminar da realidade o que fica fora das concepções científicas, por exemplo,
as baseadas nos conhecimentos populares, indígenas e camponeses. Essa
monocultura do rigor:

Ao constituir-se como monocultura (como a soja), destrói outros conhecimentos,
produz o que chamo de ‘epistemicídios’: a morte de conhecimentos alternativos.
Reduz a realidade porque ‘descredibiliza’ não somente os conhecimentos
alternativos, mas também os povos, os grupos sociais cujas práticas são
construídas por estes conhecimentos alternativos. (Santos, 2013, p.29).

PROCESSO CRIOULO DE PRODUÇÃO SIMBÓLICA

O campo de disputa simbólica envolvido no conflito produção para o
agronegócio × produção agroecológica apresenta componentes importantes
diretamente relacionados à mobilização das organizações. As experiências com
as trajetórias das comunidades camponesas e movimentos sociais populares têm
mostrado que existe uma necessidade de ampliar o diálogo com um público
mais abrangente, de forma que sua luta e resistência social possam ser vistas,
ouvidas, inspirando reflexões e ações. A ação social coletiva dos movimentos
organizados do campo materializa um significado específico para “agricultura”
e para a produção alimentar. Na Agroecologia (como movimento, campo de
conhecimentos e prática da agricultura) também está presente a preocupação
com a produção autóctone de sentidos, construção horizontal de conhecimentos
(troca de saberes), e valorização das culturas locais e camponesas. Estes aspectos
da Agroecologia estão correlacionados com a produção e difusão de mensagens
e signos pelos processos de comunicação.

Os esforços são para que os movimentos sociais populares e camponeses
possam criar suas próprias narrativas e que os profissionais que atuam na
comunidade criem narrativas em parceria com os movimentos, atentos à
linguagem e à construção de um processo dialógico, em que todos aprendam
e ensinam, construindo os significados e interpretações para o mundo em uma
perspectiva diversa. Finalmente, objetiva-se que encontrem na Sementeia um
espaço para difusão e visibilidade de suas produções e de compartilhamento
de experiências e processos

Referência direta do artigo:

Revista de Ciência & Tecnologia

Fuçando pela internet encontrei o blog da Marcha das Margaridas organizado pel@s Jornalistas Livres. A organização visual e as fotografias em si me impressionaram, de tal maneira, que resolvi trazer algumas delas pra cá. Mas não só. Resolvi que alteraria, depois de 2 anos, a imagem de cabeçalho que acompanha o Terra de Sentidos desde que o blog foi organizado.

A foto original de onde saiu o antigo cabeçalho foi tirada no Assentamento de Sumaré III, na casa da Maria Renovato e do Zé (última foto da sequência abaixo). Uma de suas filhas segurava o catavento enquanto proseávamos na cozinha — a imagem do cabeçalho antigo já representava, portanto, a força das Margaridas Alves que o campo sempre semeia, em permanente luta pela terra. Percebam que essa foto, da qual derivou o cabeçalho parte preto e branco parte colorido, recebeu um tratamento de cores. Talvez quisesse ressaltar o brilho da mão negra, com o cenário cor-de-terra desfocado ao fundo, não me lembro agora. Mas teve esse lance da cor. O brilho da mão que suporta uma “coloridade”, tão metafórica pras diversidades que o campo emana.

Uma das fotos da Marcha que escolhi para estar aqui neste post (e também nos cabeçalhos) me impressionou nesse sentido: encontrar um registro na capital federal que permitisse, finalmente, enxergar as cores e as gentes que nunca transparecem nas representações e discursos “oficiais”:

Há um misto de caboclagem e negritude nessa imagem que expressa a contradição entre povo brasileiro e sua representação midiática. A baixa representatividade destes grupos sociais perpassa igualmente pelos espaços políticos nas esferas do poder, pelas instituições de ensino e pelos circuitos sociais nas metrópoles do país. A força simbólica da imagem se amplia pela presença feminina retratada e pelo seu contexto. São mulheres negras, índias e mestiças, pobres e lutadoras que ocupam o solo capital com suas peles e bandeiras, presença e desejos portadores daquela estranha mania de ter fé na vida.

Vida, terra e mulher. Substantivos femininos que desde as atividades nos Assentamentos de Sumaré, de 2002 até 2010, ensinam-me do que é feita a Agroecologia.

Hoje, setembro de 2018, encerro minha tese de doutorado com a mesma certeza. Ainda é preciso muito espaço social a ser conquistado pela força feminina, agroecológica, transformadora das paisagens que vivemos. Estou devendo essa publicação há pelo menos dois anos. Inicialmente pretendia dialogar com estas imagens a partir de uma base teórica vinculada com o estudo das imagens, mas meu caminho de pesquisa não aprofundou essa base. Tive contato com alguma leitura, pós-estruturalista, de estudiosos da imagem, como Deleuze ou Rancière. O que pude apreender ou absolver destas leituras é a capacidade que as imagens tem em gerar uma “comunidade”, em partilhar um conjunto de sentidos (políticos) que relacionam-se com sociedade, cultura e educação.

Parte de minha trajetória acadêmica foi explorar materiais audiovisuais como ferramenta pedagógica, na produção de conhecimento relacionado com a Educação do Campo e a Agroecologia. Apesar do curso da vida levar-me para compreender melhor a relação entre estas áreas e a educação formal, sigo crendo que os audiovisuais são fundamentais na prática escolar. Sendo as imagens mídias prenhes de memória e sentido o desenvolvimento de uma epistemologia popular, perseguida pela EdoC e Agroecologia, não pode deixá-las de fora.

Não deixar de fora significa consumir imagem na escola mas, fundamentalmente, produzi-la. Nessa relação dialética entre leitura e escrita (texto, imagem, vídeo) estaria o tensionamento que forma a identidade do indivíduo e da sociedade. A consciência sobre esse processo e a metodologia deste esforço, em síntese, é o que exercitamos através do Processo Crioulo de Produção Simbólica, ao longo da Residência Agrária no Assentamento Milton Santos e na Cooperacra, organizações camponeses de Americana-SP.

“Produzir e assistir conteúdos imagéticos nos faz ressentir quem somos, em especial aqueles que criam novos arranjos entre significados e sentidos para as coisas da realidade cotidiana — intuito do processo crioulo. Essa capacidade está diretamente relacionada, portanto, à reconstrução cultural inerente a vida social, responsável pela simbolização que transfigura os desejos e as utopias, pela efetuação do pensamento.”

Comunicação, Educação e Produção de Sentidos pela Linguagem Audiovisual: Experiências em grupos de Agricultura Camponesa

Depois de um Trabalho de Conclusão de Curso e de um Doutorado, depois de escrever e refletir desde a academia sobre as experiências concretas junto com camponesas e camponeses, penso que o desafio social é ampliar essa efetuação do pensamento desde ações sociais coletivas, comunitárias, na construção política e estética de uma dinâmica ser humano e natureza popular, radicalmente democrática. Só faremos isso se abandonarmos a histórica negação do que somos, se nos liderarem as Margaridas, sábias e belas.